Especial Festival de Cannes 2023 | Las críticas de las mejores películas y las tendencias del cine de autor
En este episodio especial -disponible en todas las plataformas de audio- analizamos las claves de la 76ª edición del certamen de cine más importante del mundo. En nuestro canal de Youtube puedes revisar todas las críticas
Especial Cannes 2023: las críticas de las mejores películas y las tendencias del cine de autor
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Cannes
El Festival de Cannes tiene muy claras sus líneas editoriales. Por un lado, quiere defender y homenajear a los grandes tótems del cine de autor europeo. Esos creadores que el certamen descubrió en sus inicios, que apoyó y hasta les dio Palmas de Oro. Son también bastiones de las salas y de un cine político capaz de mirar a la realidad actual. La sección oficial de este año es un reflejo del cine mundial y de las preocupaciones sociales: el perdón por las atrocidades cometidas en el pasado, la desigualdad como generador de conflictos políticos y sociales y las nuevas identidades en un mundo que ha cambiado completamente. También una defensa del cine como único medio capaz de cambiar el final de la historia y de hacernos felices. En este episodio especial repasamos lo mejor de la edición de 2023 con 'La zona de interés' de Jonathan Glazer, Scorsese, Indiana Jones, Víctor Erice, Kaurismaki, Justine Triet, Ken Loach y Alice Rohrwacher.
La Zona de Interés, de Jonathan Glazer
El director británico adapta magistralmente la novela de Martin Amis contando desde la belleza el horror del nazismo y el colaboracionismo en una película que apunta maneras de Palma de Oro. "El cine nos ha contado que los nazis eran monstruos, que no tenían sentimientos, obviando las magníficas crónicas de Hannah Arendt sobre el juicio de Eichmann. Siempre es más fácil caricaturizar la maldad que admitir que vive entre nosotros, que esa familia podría ser la nuestra. Y que de hecho, a pesar de los años, seguimos copiando la dinámica de esa familia, de eso hablaba Amis y de eso habla Glazer que intercala varios segundos de planos en negro, de nuevo ocultando el horror, con música chirriante. La película trascurre en esas inmediaciones al campo de concentración, donde la familia del encargado vive apaciblemente. El director cambia de decorado en pocas ocasiones, para una especie de convención con otros directos de campos de concentración, que deberán acoger a nuevos prisioneros y debatir si tratarlos como mano de obra baratísima o acabar con ellos en los hornos crematorios. También Glazer conecta con la actualidad. Con esos museos de la memoria, donde las trabajadoras de la limpieza se encargan de dejarlos impolutos para que gente de todo el mundo vaya a contemplar los restos del horror y las influencers, como decíamos, hacerse el selfie correspondiente"
La Chimera, de Alice Rohrwacher
El universo de la directora italiana vuelve a conmover en el certamen con esta historia protagonizada por Josh O'Connor e Isabella Rossellini. "La Chimera habla de cosas tan actuales como el derecho a la vivienda, el derecho a tener una vida digna y el derecho a respetar el pasado sin que acabe por dominarlo todo. Sin que se pueda hacer una nueva lectura de él. También nos cuenta una historia de amor. Y eso lo cuenta con poesía y con una cámara que se mueve alrededor de los personajes, de las fiestas populares, de las casas derruidas y de la oscuridad del subsuelo italiano. También a través de las canciones que, como hacía en su cortometraje Le Pupille, nominado al Oscar, cuentan y adelantan parte de la trama. Dice la realizadora que era una manera de alejar al espectador del personaje, pero también de reivindicar la canción como algo colectivo, con la aparición de su amigo, Valentino Santagata. También la posibilidad de introducir uno de los temas de su cine: lo mitológico. Si Homero contaba la Odisea con cantos, también Rohrwacher cuenta su historia de amor y supervivencia con la música y las imágenes"
El sol del futuro, de Nanni Moretti
El cineasta italiano, a ritmo de Franco Battiato, reactualiza su éxito 'Caro diario' en el Festival de Cannes con una película sobre el poder del cine. "El título es un verso extraído de 'Fischia il vento' (Sopla el viento), una canción partisana italiana que, junto con 'Bella Ciao', es una de las canciones más famosas de la Resistencia. Hermosa metáfora de esta película sobre la voluntad de seguir adelante, aunque los vientos sean contrarios, de oponerse a las modas -cinematográficas, políticas o personales- y seguir remando hacia adelante. La utopía comunista es posible, a pesar de que el PCI desapareciera en Italia"
Fallen leaves, de Aki Kaurismäki
El finlandés vuelve a la sección oficial del certamen con una historia de amor en medio de la precariedad y la conflictividad del mundo en una tragicomedia entrañable y divertida. "Hay homenaje a Bresson, Ozu, David Lean, a Godard, fallecido este mismo año, de quien Kaurismäki tomó cierta forma de componer los decorados, de usar el rojo, el azul y el blanco en sus películas. Hay homenaje a Chaplin, a John Huston, a Luccino Visconti que aparecen viejos carteles en los decorados del filme. Una sala de cine es el único reducto de belleza, dijo una vez el director finlandés y siete años después ha venido a demostrarlo. El director también aprovecha para mostrar el estado de un continente, Europa, con la guerra de Ucrania colándose en las casas de los personajes. En ambos apartamentos, el estado de los bombardeos y las muertes se escuchan constantemente de fondo en las noticias. Kaurismaki se ve obligado ahora más que nunca a hacer una película que celebre la vida y el amor, no la guerra, ya que tal vez estos dos últimos puedan finalmente encontrar el alma gemela que nunca han tenido. Cuando todo se desmorona, lo que importa es a quién tenemos al lado, parece decirnos el director".
Club Zero, de Jessica Hausner
La directora austriaca presenta nuevo filme en competición, una versión moderna de 'El flautista de Hamelín', que protagoniza la actriz Mia Wasikowska. "La preocupación por el desperdicio alimenticio, en plena crisis climática y en un mundo donde unos tiran comida y otros mueren de hambre. La obsesión por el cuerpo y el modelo hegemónico de belleza, que pasa por la delgadez extrema. La preocupación por comer sano y, sobre todo, el control del cuerpo en una edad, la adolescencia, donde todo es desorden y descontrol. Es interesantísimo que la directora se adentre en la compleja relación con la comida, en un mundo dominado por el fast food, las obsesiones nutricionales y donde la ideología y la clase social importan y mucho, como se refleja en las diferencias entre este grupo de jóvenes a la hora de elegir qué y cómo comemos. La alimentación será el gran debate del futuro y Jessica Hausner se adentra en ello en esta fábula moral sobre la presión social y la hipocresía, en una película que deja ver las miserias de las escuelas de excelencia y de los colegios privados, esos a los que todo el mundo se pelea por entrar".
Asteroid City, de Wes Anderson
El director fleta un autobús para meter a todas las estrellas de su película en el Festival de Cannes, un drama bonito y un homenaje al teatro que se hace largo. "Tomas simétricas, fotografía en tonos pastel y actuaciones minimalistas de los actores, son el toque de un director reconocible a la legua, pero que en esta ocasión se hace repetitivo. El mundo de los ovnis y la ciencia ficción, la estética retro es curiosa, pero la curiosidad se agota pronto en esta obra de ciencia ficción que esconde una historia de amor y de superación melancólica de la muerte, de nuevo acompañada de la música de Alexandre Desplat. También repetitivo es la cantidad ingente de cameos y de nombres de estrellas reconocidas y con carisma. Es como si todos quisiesen trabajar con Anderson. De nuevo Tilda Swinton y Adrien Brody. También Jason Schwartzman y Scarlett Johansson interpretan a los dos amantes, junto a Tom Hanks, Jeffrey Wright, Bryan Cranston, Margot Robbie y Steve Carell".
Rapito, de Marco Bellocchio
El veterano director italiano conmociona al certamen con una historia real, el secuestro de Edgardo Mortara por parte del Papa Pío IX. "La historia es estremecedora, tanto, que directores como Julianne Schnabel o el mismísimo Steven Spielberg estaban detrás de ella para adaptarla. Finalmente ha sido el realizador italiano, pues no se trata solo de contar un hecho escandaloso que muestra la intolerancia religiosa hacía los judíos; sino también la política y las estructuras internas de un país. Para eso, nadie mejor que Bellocchio, uno de los directores que mejor cuenta la historia de su país y la conecta con la actualidad"
Anatomía de una caída, de Justine Triet
La directora francesa divierte con un drama judicial que funciona como un reloj y que muestra una de las mejores interpretaciones del certamen, la de la actriz alemana Sandra Hüller. "Como en sus anteriores películas, las mujeres son complejas, guardan secretos y cometen errores. De ahí que no sean aceptadas por la comunidad, como le pasa al personaje de Sandra Hüller, una escritora seca, prepotente y alemana, que no tiene nada que ver con el entorno francés donde se ha criado su marido. Celos profesionales, celos sexuales, infidelidades y reparto de tareas, temas que están en una sociedad de clase media alta y que dinamitan la manera en la que se ha configurado el rol de las mujeres y los hombres en el matrimonio o la pareja. En esta cautivadora película, la directora francesa hace además otra cosa interesante, explorar la relación que cada uno de nosotros tenemos con la ficción, con las narrativas y los símbolos. En realidad, 'Anatomía de una caída' es una clase de semiótica"
May December, de Todd Haynes
El director de 'Carol' presenta en sección oficial May December, un sugerente melodrama psicológico sobre un actriz que prepara un papel junto a una mujer casada con un hombre al que conoció cuando él era menor de edad. "Haynes se aleja de Douglas Sirk, autor del que ha bebido en sus anteriores películas, para acercarse al juego con el telefime. La música impostada, las frases fuera de lugar, la copia de las telenovelas que configuran la forma de amar y de querer ser amados de los espectadores, sobre todo de las espectadoras femeninas. El director parece preguntarse acerca del sentido de la verdad, de si es posible luchar contra el relato construido y de si el amor con tanta diferencia de edad solo puede ser una cuestión de poder y manipulación. Y juega con todo ello hasta el final"
Firebrand, de Karim Aïnouz
Jude Law se convierte en un depravado Enrique VIII y Alicia Vikander es la reina Catherine Parr, una mujer que cambió la religión y la política de Inglaterra y cuya historia rescata el director brasileño. "Firebrand' es mucho más política e interesante que las muchas versiones televisivas y cinematográficas que envuelven al monarca, también la más feminista de todas ellas, una historia de resistencia de una mujer contra el poder en una edición de Cannes obsesionada con explicar los roles de género y la manera de alterarlos. Así, el director firma una historia de amor y tiranía, manipulación y poder perfectamente engrasada y donde la tensión del thriller está hasta el final, con la lucha de una mujer que se resiste a ser gobernada y arrinconada, y para la que se apoya en dos grandes interpretaciones, la de Jude Law y Alicia Vikander y en momentos de humor, como las bromas hacia los españoles, a través de un loro al que llaman Carlos, por el emperador, el sobrino de una de las esposas muertas del rey".
Monster, de Hirokazu Koreeda
Koreeda vuelve a emocionar con una bellísima historia de amistad que retrata el Japón actual y la francesa Catherine Corsini se queda a medias de su crítica al racismo y el clasismo de la sociedad francesa en el melodrama 'El regreso'. "Contada desde tres puntos de vista diferentes, Kore Eda coge la estructura de Rashomon, donde un mismo hecho se cuenta a través de tres enfoques, que explican a los personajes implicados en un altercado en un colegio. Eso permite al director la maestría de ir mostrando la intriga en la que se ven envueltos mostrando en cada una de las historias nuevos detalles con los que el espectador va haciéndose una idea de lo que ha podido pasar. Una manera de contar la historia que nos recuerda a un momento como el actual, donde los conceptos de verdad, mentira y falsedad han cambiado profundamente en esta sociedad de las redes sociales y la inteligencia artificial".
Black flies, de Jean-Stéphane Sauvaire
Sean Penn patrulla la ambulancia que recoge a todos los estadounidenses sin seguro médico. El actor protagoniza junto a Tye Sheridan esta adaptación de la novela de Shannon Burke sobre dos paramédicos en los bajos fondos de un Nueva York caótico y sangriento. "Black Flies trata de condensar en ese viaje por ambulancia todos los males urbanos. El problema es que el guion se enreda en su propio camino. El juego con la metáfora del cielo y el infierno funciona al inicio del filme, pero acaba desbarrando. Terrible es la comparación del joven enfermero, el personaje de Tye Sheridan, con el ángel de la guarda, en esa chaqueta con alas doradas, similares a las del cuadro que cuelga sobre su destartalada habitación compartida con otras familias en Chinatown. Terrible también el vía crucis que vive, en lo personal, donde la violencia que ve durante el trabajo acaba saliendo en su propia relación, sino también en ese abuso y maltrato que sufre por parte de sus compañeros corruptos".
Killers of the flower moon, de Martin Scorsese
El director, ganador de la Palma de Oro con 'Taxi driver', vuelve a Cannes con una de sus películas más ambiciosas, un wéstern criminal sobre el genocidio de los nativos Osage que protagonizan Leonardo DiCaprio y Robert de Niro. "Si seguimos la filmografía de Scorsese, podemos dilucidar que Estados Unidos nació y se consolidó gracias o por culpa de la avaricia, del individualismo y de una gran conspiración. El director neoyorquino plantea el filme como una historia de mafiosos, personajes que tan bien ha retratado en su cine, y los inserta en un ambiente de western, reconfigurando el género americano por excelencia que ha contado, precisamente, cómo se pusieron las primeras piedras del sistema. Pero en el fondo, no es más que la enésima denuncia de lo que el capitalismo ha hecho en la sociedad americana, con una mirada profunda sobre un modelo económico que ha conquistado el mundo".
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Indiana Jones, de James Mangold
La quinta entrega del arqueólogo más famoso del mundo quiere buscar nuevos espectadores sin dejar de lado la esencia de la saga creada por George Lucas y Steven Spielberg con un Harrison Ford en plena forma que acaba de recibir su Palma de Oro honorífica en Cannes. "Las escenas de acción finales elevan el nivel de una película que anda todo el rato en esa línea entre lo viejo y lo nuevo. La película puede leerse también como una manera de entender el cine, como algo comercial, al que sacar dinero, lo que sin duda es para muchos ejecutivos el regreso de Indiana Jones, o como algo que preservar para la historia del cine. Como el dilema al que se enfrenta el personaje de Phoebe Waller-Bridge de hacerse rica vendiendo las reliquias arqueológicas o preservaras para que el curso de la historia no cambie".
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Cerrar los ojos, de Víctor Erice
Cincuenta años después de 'El espíritu de la colmena', el director emociona con una película sobre la memoria y el poder del cine. "Cerrar los ojos es la película más sentimental del director vasco, melancólica y bella a la vez. Manolo Solo borda el papel del viejo Erice. Un director que ha dejado de dirigir y de escribir. Que vive, como el propio autor, en un pueblo cerca del mar en la Alpujarra granadina. Que allí, acompañado de un perro, pesca, cultiva y vive con lo justo. El director muestra los invernaderos, los mercadillos, los pueblos. Una España que también existe. Víctor Erice cierra el círculo cincuenta años después de 'El espíritu de la colmena'. Vuelve a fijarse en el cine, un cine que ya no existe, un cine que tiene la capacidad de hacer recordar, de emocionar y de volver a la vida al más desmemoriado de los desmemoriados. 'Cerrar los ojos' es quizá la más borgiana de sus películas, también la más sentimental y la primera en la que mira a la España del momento actual".
Creatura, de Elena Martín
La directora presenta en la Quincena de Realizadores su segunda película, una historia que examina los tabúes sobre el sexo femenino y el deseo. "La historia se cuenta en varias épocas: la infancia, la adolescencia y la edad adulta. Todo en tres veranos que ocurren en una en un pequeño pueblo catalán. La casa familiar, de la abuela, donde la familia acude cada verano. Un lugar donde emergen los recuerdos de una infancia feliz, pero que dejó traumas, en este caso la incapacidad de disfrutar del sexo y del cuerpo y de vivir una vida sexual plena en libertad. El miedo a que pase algo, el miedo a no estar haciendo lo que uno quiere, la falta de confianza y la incapacidad de comunicar lo que a una le gusta o quiere, tienen en el personaje hasta efectos físicos, como en tantas mujeres a quienes desde siempre se les ha prohibido, de manera consciente o inconsciente, disfrutar de sí mismas".
Robot dreams, de Pablo Berger
El director de 'Blancanieves' presenta en el certamen la historia de un perro antropomorfo y un robot en el Nueva York de los años 80. 'Robot dreams' es su debut en la animación y ya ha sido adquirida por una de las distribuidoras más importantes de EEUU. "Me encanta la experiencia de que el cine es soñar despierto. Es una experiencia mágica. Es vivir en otro mundo, olvidarte de ti mismo y ser el otro que está detrás de la pantalla. Entonces, el hecho de que no haya palabras ayuda. Escribir con imágenes es lo que más me interesa, pienso que es lo que hace al cine único", dice el director en Cannes tras la gran acogida de la cinta.
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