Madrid

El paso de los sesenta y los setenta fue radical en la música. Tras el festival de Woodstock el sueño hippie murió con los crímenes de la Familia de Charles Manson y el asesinato del festival de Altamont. Aquel año se separaron los Beatles, la banda que había iniciado aquella revolución musical, artística y sociológica.

Pero los setenta llegaron repletos de buena música. 1971 fue un año eterno con discos inmensos y la década tuvo varios cursos a la altura que abrieron el debate sobre cuál fue el mejor año musical de aquella década.

Pero aquella década que pronto descubriría el rock duro de Black Sabbath, Deep Purple o Led Zeppelin y que acabaría escupiendo al ritmo del punk, vivió un inicio marcado por la muerte.

Aquel 1970 fue un año tristemente recordado por los músicos que nos dejaron, muchos de ellos demasiado jóvenes. Lucía Taboada nos cuenta cómo fue aquel triste curso.

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El año más aciago de la música

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Diez discos de la década de los 70

Marvin Gaye | Whats Going On

En 1971, un Marvin Gaye deprimido se encerró en el estudio para escribir, cantar y producir Whats Going On, uno de los discos más poderosos de la historia del soul y una apuesta personal en la que nadie creía pero que terminó siendo un golpe encima de la mesa. Tras destacar como batería de Smokey Robinson, como compositor para Motown y como cantante de pop durante los años setenta, Gaye dio un giro a su carrera editando esta joya que lo consagró como uno de los grandes nombres de la música negra y uno de los más geniales compositores de su generación.

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Carole King | Tapestry

A los cuatro años Carole King tocaba el piano, a los 15 dirigía una orquesta y a los 17 años ya había conseguido su primer número 1 en EEUU. A lo largo de su carrera, King ha compuesto 400 canciones, cien de ellas entraron en la lista de éxitos. El viaje de Carole King abarca varias décadas y tuvo varias cimas, ninguna tan alta como Tapestry, el álbum de 1971 con el que la compositora de Brooklyn conquistó la eternidad. Tras grabar dos fallidos discos con los que intentó consolidarse como cantante, King volcó todas sus esperanzas en Tapestry. La pianista subió la apuesta y ganó el gran premio. Aquel disco vendió más de 10 millones de copias, arrasó en los Grammy y consolidó a King como una de las más importantes compositoras de todos los tiempos.

Fleetwood Mac | Rumours

Tras llegar al número 1 en EEUU con su disco homónimo de 1975, los miembros de Fleetwood Mac vieron como sus vidas personales se desmoronaban. Cuando la banda llegó a Sausalito (California) para grabar Rumours sus vidas eran un caos. Cinco músicos, cuatro casados entre ellos, y cinco traumáticas separaciones. En ese tenso ambiente se grabó esta joya del pop registrada entre kilos de cocaína. Las canciones de Rumours reflejan ese ambiente y reflejan el momento que vivían sus músicos, con pullas cruzadas en todas las canciones.

The Clash | London Calling

Los grandes discos de la historia han hablado de amor, de rebeldía, de sexo, de rupturas. Ninguno hizo jamás una elegía tan acertada y poderosa de los perdedores como el London Calling de The Clash. La banda inglesa editó su obra maestra en 1979 con los últimos estertores del punk. El grupo liderado por Joe Strummer quiso mirar más allá del género, recuperar las raíces y crear algo diferente. El resultado de aquel viaje provocó una revolución en la música encumbrando a The Clash como una banda única, como “la única banda que importa”, tal y como se la conoció entonces.

The Clash consiguió en su tercera entrega aunar un sonido revolucionario con ideas revolucionarias en un disco doble que es un microcosmos. En sus 19 canciones hay rock, ska, reggae, punk y una buena dosis de pop.

Ramones | Ramones

Hay discos que importan más allá del dinero que recaudan, álbumes cuyo impacto no se mide en dólares. Ramones inició una revolución en la música de la segunda mitad de los años setenta tras editar su homónimo debut. Aquel trabajo crudo, salvaje y errático marcó el inicio del punk rock. La historia de la banda neoyorquina resulta trepidante, aunque ellos reconocen que solo hacían la música que les gustaría escuchar en la radio, su influencia fue mucho más allá.

En estas 14 canciones tremendamente breves hay un crudo retrato del Nueva York salvaje de aquellos años. Hay violencia, desesperación, desarraigo, odio, dudas. El sentir de una nueva generación de chavales que no se identificaban con la música de los años setenta ni con el idealismo de la contracultura de los sesenta.

Pink Floyd | The Dark Side of The Moon

Cada semana, desde hace 40 años, se venden en el mundo al menos 7.000 copias de The Dark Side of the Moon. Siete mil ejemplares de una obra maestra del rock que comienza, y termina, con el latido de un corazón. Un álbum arriesgado que se gestó sobre los escenarios y que estuvo recorriendo el mundo durante un año antes de que se grabase. Pink Floyd publicó The Dark Side of The Moon en marzo de 1973. El octavo disco de los ingleses no tardó en convertirse en un clásico consolidando a la banda como una de las más importantes y exitosas del mundo. Los setenta fueron la gran época de los ingleses que con discos como este o el enorme The Wall marcaron nuevos límites sonoros a la música.

Rolling Stones | Exile on Main Street

Los años setenta de los Rolling Stones, sobre el todo el comienzo de la década, resultan trepidantes. Tras publicar el pegajoso Sticky Fingers los ingleses escaparon a Francia, a un lujoso castillo para dar forma, entre el caos, a la que para muchos es su obra maestra. Un disco eterno que tiene todos los grandes rasgos sonoros de la carrera de los Stones y donde también están sus mayores riesgos.

Aretha Franklin | Amazing Grace

En 1972 Aretha Franklin grabó Amazing Grace, uno de los discos más especiales de su carrera, su regreso al góspel tras un lustro fantástico en el que se coronó como la Reina del Soul. Aquel trabajo se convirtió en el álbum de góspel más vendido de la historia y en el trabajo más exitoso de la carrera de la gran Aretha Franklin, en un disco al que la etiqueta de histórico no le viene grande.

Su magia se transmite desde la primera nota hasta la última y por el camino uno se purifica. En sus letras hay un mensaje de paz, de amor, pero impacta más la forma en la que canta Aretha, conectando con su infancia, con su primera escuela musical.

Neil Young | Harvest

Tras formar parte de Buffalo Springfield y de CSNY, Neil Young lanzó su carrera en solitario que en 1972 llegó a su cuarta entrega con Harvest, el álbum más exitoso del guitarrista canadiense. Con Harvest, Young dio un golpe encima de la mesa sacando todo su talento con una colección de canciones evocadoras e íntimas que mostraron su lado más sensible como compositor. En el disco Young habla del paso del tiempo, de las contradicciones, del racismo y de la plaga de la heroína que se llevaba a sus amigos. Pocos discos resultan tan evocadores y hermosos como la obra magna del canadiense.

Van Morrison | Moondance

En 1970, un Van Morrison de 24 años se lo jugaba todo. Su futuro en la música estaba en el aire tras el final de Them y el fracaso comercial de su arriesgado Astral Weeks. Morrison necesitaba triunfar, tener canciones de éxito y algo tan básico y esencial como comer. Necesitaba dinero y confirmar a su sello que tenía un futuro por delante. Morrison entró a los estudios de Nueva York con todas esas urgencias en el verano de 1969, a la par que se celebraba el festival de Woodstock, y salió de allí unas semanas después con las canciones de Moondance, un disco al alcance de muy pocos.